lunes, 20 de noviembre de 2017

¡El gran Libro de los Magos!

¡Muy buenas! Ya comenté en su momento (creo) que había empezado a trabajar en una agencia de publicidad y por esa razón había abandonado un poco el blog (y el dibujo, y todo lo demás). Así que no me ha parecido mejor momento que este para reactivarlo porque... ¡Estoy publicando un libro!

El Gran Libro de los Magoscon Grafito Editorial

¡Por fin! ¡Después de tantos años! La culpa de todo la tiene Christian Timoneda y Grafito Editorial, que me convencieron a pesar de estar liada por el trabajo. Me reuní con Grafito en Junio y ahí empezó toda esto de los magos.

¿Qué es el Gran Libro de los magos?

Es una locura, de esas que te dicen "no, no me lo puedo creer" pero existe. Una de esas locuras que hacen mesarse los cabellos y rasgarse las vestiduras. Es un libro de chistes malos. Pero no sólo son malos, son infames. Terribles. Deleznables. Pero en esencia...

Es un libro de humor ilustrado para todos los públicos

Tiene 48 ilustraciones de magos haciendo cosas de magos, 8 páginas de cómic y 2 entrevistas, además de algun que otro regalo si lo compras en la pre-venta que se va a acabar dentro de nada. Los chistes los ha guionizado Timo, además de hacerme los storys para el cómic. Se descartaron algunos muy majos y en los brainstorming de skype se les dieron forma a las ideas para que luego yo pudiera hacer los bocetos, así que ahí empezó todo. Los 44 bocetos iniciales... Bueno, así lucían en mi cama porque no me cabían en la mesa todos juntos.

Bocetos de el Gran Libro de los Magos No se engañen, era para lucir la preciosa colcha.

El proceso fue tedioso y en cuestión la cosa que en un principio iba a ser ilustración de 1/2 personajes sin fondo acabó siendo algo mucho más grande, así que os explico lo que hizo que el libro fuera EL GRAN libro.

Cameos por todas partes

Hasta Timo me ha preguntado por las referencias que he metido porque no las ha reconocido todas. No son pocas y con la excusa del humor me he explayado bastante más de lo que me gustaría admitir, y menos de lo que hubiera querido. Me ha faltado el mago Zerasul, de partidas de rol con amigos, me han faltado más personajes típicos. Me ha faltado Khadgar pidiendo apexis, o a Caramon pegando collejas a Tasslehoff.

Pero ante todo es un libro infantil así que los chistes tenían que entenderse.

Me vine arriba y se me fue de las manos

No me llevo muy bien con los fondos y siempre ha sido así. Hasta ahora. Me he explayado en los detalles, al menos todo el tiempo que da dibujar de Junio a Noviembre con una jornada laboral completa, y la verdad es que me arrepiento sólo por no haberme podido documentar mejor, pero sino también digo que nunca lo habría terminado.

Merchandising y regalos de la Preventa

Otra de las cosas que tiene el libro es que he hecho merchandinsing exclusivo aparte de las ilustraciones. Taza, marcapáginas, chapas (estas son de una ilustración), y la lámina también es una de las ilustraciones que contiene el libro. Las cuatro que os voy a mostrar son de los regalos que se harán en la preventa:

Bolsa de Hechizos
Marcapáginas
Chapa
Lámina

Pero vamos a hablar de lo importante: LA TAZA. La taza en un principio iba a ser un mago muy enfadado con la existencia que pusiera "Mago café", porque me representa. Pero hay que ser empáticos y no todo el mundo tiene mi obsesión amor por el café. Al final se quedó en "Mago el desayuno" y está feo que lo diga pero ha quedado chula. ¿Cómo se podrá adquirir? De momento no tengo noticia, así que iré avisando por redes sociales.

La gira del Gran Libro de los Magos en 2017

Como yo pensaba que todo esto del Libro de los Magos era más una cosa que se le había ocurrido a Timo en plan fanzine, yo no le di demasiada importancia. Hasta que recibo una llamada de Grafito diciéndome lo de las presentaciones. Así que... ¡Vais a poder verme el pelo!

Consultar el calendario de presentaciones de 2017

Por el momento las presentaciones confirmadas van a ser en Valencia y el Salón del Cómic de Zaragoza, pero Timo también estará presentando por si alguien quiere enfadarse también con él por semejantes chistes terribles.

¡Y hasta la próxima entrada :)! ¡Nos vemos pronto!

miércoles, 4 de enero de 2017

Consejos básicos sobre impresión

Buenos días y ¡feliz año!

La imprenta asusta mucho, sobre todo cuando es la primera vez que trabajas con una. No tenía gran experiencia de impresión y tuve que formarme como el que dice de la noche a la mañana, había hecho bastantes cosas en diseño gráfico pero nada para imprimir.

Al final acabé haciendo packaging con plegados, catálogos, foto retoques, fotomontajes y en general una amplia variedad de trabajos vectoriales que hasta la fecha no me había atrevido. La imprenta era bastante exigente y llegué a la conclusión de que imprimir asusta porque un error puede significa que toda una tirada impresa salga mala o de baja calidad.

Publiqué en su día esta pequeña guía en twitter sobre cómo trabajar con herramientas vectoriales y cuatricomía. Es muy básico pero seguro que más de uno ha deseado eliminar ese "borde blanco" que deja Illustrator (o Inkscape).
Y esto es lo que vendría a suceder si colocamos el color más claro encima y no debajo, que dejará igualmente un reborde por el reventado. Es un error muy común, lo he visto incluso en franquicias como KFC o similares y deja un acabado muy desagradable.

  

Si bien es cierto que las imprentas digitales no hacen esto, siempre hay que consultar al impresor que es el que va a trabajar con vosotros. Hacer una llamada cuesta poco y ahorra trabajo.

Seguiré subiendo consejillos y otras cosas sobre impresión.

¡Nos vemos pronto 😙!

viernes, 31 de octubre de 2014

¿Qué son las comisiones?

Muy buenas queridos lectores de ires y devenires. Hace un tiempo me planteé hablar del tema de comisiones y los encargos que realizo para uso editorial o para empresas.

Lo primero, dejar claro que éste concepto es el que vengo escuchando varios años sobre la palabra comisión, en términos de ilustración. Como el término en sí lo escuché por primera vez en deviantART, traduzco y pongo aquí un fragmento de a lo que se refieren a comisión en su FAQ:

"Pequeñas obras o servicios digitales ofrecidos por un artista, que otorgan la capacidad de obtener contenido personalizado de calidad". 

Me ha parecido un concepto tan dispar, después de haber hablado con numerosos artistas, que me preguntaba si alguien que no esté muy metido en el mundo podría llegar a confundirse, es más, incluso preguntarse si es que un artista quiere enriquecerse a su costa o realmente cuesta el precio que piden. En muchas ocasiones vemos comisiones de personaje a cuerpo completo a 15€ ofertadas por diferentes redes sociales, cuando se cobran cifras bastante más elevadas cuando se pide un presupuesto a otro ilustrador por algo que nos puede parecer lo mismo o similar.

Además de que el presupuesto varía de un ilustrador a otro, también hay otros motivos, pero vamos al caso.


¿Qué diferencia hay realmente?

Ninguna. El artista cobra por un servicio que ofrece tanto a un particular como para una empresa, aunque siempre pueden existir diferencias dependiendo del uso que se vaya a dar a la obra. A veces el artista hace rebajas para que su precio sea competitivo y atractivo para un particular, o simplemente lo emplea como práctica con compensación, asumiendo él mismo parte del precio.

Un encargo no deja de ser un encargo, sólo que algunas personas utilizan el término comisión para referirse exclusivamente a particulares.


La denominación coloquial

Cuando un artista dice "voy a hacer comisiones", suele referirse a encargos privados para particulares abiertos al público. Esto quiere decir: Sin contrato de confidencialidad, sin venta de derechos de reproducción, con una serie de condiciones establecidas y con un catálogo limitado de posibilidades con las que el autor ya se maneja. Teniendo la peculiaridad de que suele tratarse casi siempre de personajes de ficción creados por terceros -o algunos casos el personaje de esa persona en cuestión- , y otra, que suelen tener "slots" o encargos limitados, que una vez llenos ya no se pueden encargar más hasta que el ilustrador decida abrirlos de nuevo.

El ilustrador hace esto por diferentes motivos:
  • Estar en un stand no-comercial de eventos como salones del manga o cómic.
  • Por haberse adherido a un Artist Alley, aunque por lo que tengo entendido a través de otros artistas, a pesar de que se está luchando por conseguirlo en España, sólo sucede hasta la fecha en Francia y EEUU.
  • Sacar un ingreso extra porque necesita renovar material o hacerse con novedades.
  • Practicar. 
En todos los casos una comisión no deja de ser un encargo profesional. A pesar de que muchos amateurs, artistas sin formación o práctica pongan un cartel de "commissions" o comisiones, por precios irrisorios como 400 deviantART points que vendrían a ser 5$ americanos, no significa ni que sea el precio estandar de una comisión o que estas personas automáticamente sean profesionales. Por poner un ejemplo podríamos encontrar muchos carteles de "arreglo PC" en un tablón de anuncios, pero no todos tienen por qué tener formación o experiencia en ingenieria de sistemas informáticos.

Algunas comisiones son gratuitas y muy limitadas, en cuestión, artistas que buscan practicar no sólo para mejorar su técnica, sino también para ver cómo se desenvuelven en el trato con clientes o para darse publicidad. Esto vendría a ser básicamente como las prácticas que haría cualquier becario para tomar rodaje que haría por cuenta propia, aunque a tener en cuenta que ahora los becarios deben cotizar en el regimen de la seguridad social no lo encuentro una práctica recomendable. No me queda sino decir que ancha es Castilla.

    Otros tipos de comisión

    A través de redes sociales y diversas páginas he conocido las denominaciones coloquiales también de muchos tipos de comisiones. "Adoptables" (término que conocí gracias a @marmopollo del que tuvo la amabilidad de explicarnos), "bases", bocetos, iconos, diseños de moda, diseños de maquillaje, pinturas y maquillaje sobre dollfies o muñecas, peluches, key-chains y merchandising en general, por no decir un largo etc.

    Los adoptables, según lo que estuvo explicando muy amablemente Diana por twitter, son diseños de personajes ya hechos por el artista que pone a la venta (diseño de atuendo, estética, forma...).

    Si nos ponemos a mirar en lugares como Etsy, encontraremos una cantidad de artistas de todo tipo de disciplinas ofreciendo comisiones a particulares, y abriendo crowdfunding para proyectos un poco más grandes, pero que como bien digo en ningún caso dejan de ser proyectos profesionales que buscan abrirse paso en el mercado.


    ¿Por qué son más económicas las comisiones a particulares que los encargos editoriales?

    Una vez dejado claro el término coloquial de comisión (encargo de profesional a particular) y encargo editorial (encargo de profesional a profesional), puedo explicar qué es lo que encarece el precio de un encargo.
    • La venta de derechos de reproducción. Esto significa, el particular quiere una pieza para recreación personal, la empresa busca la explotación de la obra y lucrarse con esta, por lo que el artífice de la creación debe llevarse una parte proporcional a lo acordado ya sea con un adelanto de los royalties o compra total de los derechos de reproducción.
    • La confidencialidad. En muchas ocasiones no se pueden enseñar en el acto las piezas preparadas, lo que puede ser un defecto porque el currículum de un artista es visual. La cofidencialidad se suele compensar económicamente en algunas ocasiones, o no, depende del modo de trabajo del artista y de sus intereses.
    • La exclusividad. Para llegar a mayores niveles, hay contratos de exclusividad que viene a ser que el artista se compromete a  trabajar sólo para la empresa que le ofrece este tipo de contrato. Quebrantar dicho acuerdo puede suponer una penalización económica, que se estipula en el contrato.
    • La responsabilidad y la disponibilidad.
    • Cambios y revisiones. Normalmente las comisiones a particulares, sobre todo las creadas en formato tradicional, no se revisan ni cambian, se entregan tal cual han sido empezadas y finalizadas. En el caso editorial, se realizan numerosos cambios y revisiones antes de acceder al producto final, lo que encarece en horas el trabajo del artista.
    • La obra original en el caso de estar hecha en formato tradicional.
    • Los gastos notariales derivados de la venta de los derechos. Esto es algo que supone una terrible sorpresa para los que encargan trabajos profesionales por primera vez, para sus libros o para maquetaciones cuando uno edita por su propia cuenta.
    En todo caso, para ceder los derechos de reproducción a terceros hay más complicaciones, me gustaría explicar esto más detalladamente en otro artículo puesto que cuando estás cediendo los derechos de reproducción se presupone que es para hacer una explotación comercial de estos bajo una serie de condiciones (4/5 años desde la firma del contrato, número de ejemplares, soporte, rango de reproducción, impresión o digital, y un largo etc.).

    Agradecimientos a @duranial, @cookiesdf y @pedroRMandreo por su tiempo, pues sus respuestas han servido para elaborar esta entrada, ¡gracias!


    viernes, 17 de octubre de 2014

    Cómo buscar (y encontrar) trabajo

    Tener trabajos para mostrar

    ¿Escoger especialización o ser versátil? Antes de empezar a buscar trabajo hay que tomar la decisión de especializarse. Este oficio reúne muchísimas ramas, en la etapa de formación es cuando uno encuentra su punto fuerte, ese es el que hay que especializar (que no encasillarse). Pero también puedes, si te parece bien, abarcar más campos, sobre todo si de tu especialización no hay demasiado mercado o ya está abarcado.
    ¡Manos a la obra!

    Realizar un portafolio con los mejores trabajos. Son pocas las personas que no tienen ordenador o dispositivos móviles conectados a internet, por ello recomiendo realizar un portafolio online con responsive design (diseño adaptativo a las diferentes plataformas), también un PDF con los trabajos más destacables para poder mostrar a través de una tablet o impresos, como sea más cómodo.  Mis máximas: Limpio, sencillo, espacioso y usable.

    - Portafolio online.
    - Portafolio offline (tablet / impreso).
    - Currículum Vitae específico para tu área.

    Crear una identidad (opcional pero deseable). Tarjetas de visita, carpetas corporativas, correo electrónico propio... No son necesarios para empezar pero sí atractivos para el contratante, este trabajo es visual por lo que recomiendo apostar por una buena exhibición de lo que puedes hacer.


    La imagen cuenta

    "¡Exhibe tus habilidades! Ahí está tu fuerte."

    ¿Puedes demostrar tus habilidades? Un portafolio online es lo mejor. Una recomendación a tomar o no es hacerla uno mismo y no es muy complicado porque hoy en día ya no es imposible tener un website. Si se te da bien HTML y CSS o conoces lo básico, puedes probar a montarte tu propio portafolio con la tecnología de Bootstrap (es la que estoy usando yo ahora mismo) porque es muy usable y viene con responsive. Mucho mejor que otras plataformas que me han comentado que se van a quedar obsoletas.

    Aquí puedes descargar lo que te haga falta. Si no se te da muy bien, tienes temas gratuitos poniendo en tu buscador favorito "bootstrap template freebie", o aquí si no te importa pagar unos eurillos también puedes encontrar algunos de mucha calidad.

    Compromiso y seriedad. El justo y necesario, recuerda que no eres un esclavo, las condiciones del contrato a rajatabla.

    ¿Educación? Tomaduras de pelo habrá a puñados a la par que personajes muy desagradables, en estos casos lo mejor es tomarlo con la más grande de las calmas. Cuesta, lo admito, a mí se me llevan los demonios, así que en estos casos lo mejor es tierra de por medio. "Aunque no podamos llegar a un acuerdo, éstas son mis referencias". Más que educación es optimizar.

    Lista de empresas 

    Hacer una lista de empresas de tu zona o las zonas deseadas. Siempre se puede encontrar una empresa referente, o varias, sobre una especialización determinada, por lo que cuesta relativamente poco buscar editoriales o lugares que se benefician de la venta de productos basados en esta profesión.

    Buscar en la página web la opción "careers / jobs / trabajo" o "trabaja con nosotros". De no tenerla, buscar el e-mail de recursos humanos y hacer una primera toma de contacto para declarar interés en enviar un portafolio.

    Llama personalmente. Si no se ponen en contacto contigo, muestra interés (si tú realmente tienes interés en esa empresa, claro). Preguntar por la persona responsable de recursos humanos o informar del interés por trabajar es un punto que casi nadie tiene en cuenta. En el mayor de los casos responden que no tienen la necesidad de contratar a nadie, pero aunque suceda esto lo mejor es dejarles las referencias por si en un futuro sí tuvieran esa necesidad.

    Concertar entrevista. Si la empresa en cuestión muestra un mínimo de interés, aunque no respondan, lo mejor es enviar un e-mail o llama para preguntar si han visto el portafolio e informarles del interés en concertar una entrevista presencial.

    Si todos los pasos anteriores fallan, hay que tachar la empresa de la lista y seguir buscando. En esta etapa de buscar trabajo uno se puede plantear ideas negativas pero todo hay que decirlo; la situación está mal y no es culpa tuya. Nunca hay que descartar alternativas.

    También hay páginas (como wrapbootstrap) dónde podemos vender nuestros trabajos a más público, o en el caso de ilustradores como Society6, autoedición... Eso ya es una cuestión de elección personal, y a veces es más deseable que trabajar para clientes que no te pagan.


    Páginas especializadas


    Dejo aquí las que considero a tener en cuenta.


    ¿Redes sociales? ¡Sí!

    Aunque significa invertir mucho tiempo en buscar, en twitter siempre hay alguien que necesita un ilustrador, algún recurso de pixel art... Es un trabajo arduo y puede que sin demasiado éxito, pero al menos tener presencia en internet deja constancia de que estás ahí.

    También se pueden ofrecer comisiones y/o encargos a través de páginas como Tumblr, Twitter y DeviantART. Dependiendo del de sensibilidad personal y con lo que uno se pueda sentir cómodo también hay un amplio mercado en el mundo de las viñetas, cómic o ilustración erótica que cabe no descartar pese a lo polémico o poco ético que pueda resultar.


    Puerta fría

    La puerta fría es echarle mucho valor y presentarse en las empresas currículum / portafolio en mano. Arriesgado, pero muy recomendable para personas carismáticas y con don de gentes. Desde mi experiencia personal, hay que tener mente fría y cuerpo para aguantar un rechazo tras otro.


    Mejorar aptitudes

    Aprender inglés, en mi opinión, es una aptitud indispensable y hay muchas opciones para aprender por lo que no encuentro hoy día una excusa el hecho de no tener dinero.

    En numerosas ciudades y pueblos es habitual encontrarse con los grupos de aprendizaje mixtos (anglo parlantes con hispano parlantes), esta es la más económica. También hay opciones menos económicas como apuntarse a una escuela de idiomas o empezar incluso por plataformas online gratuitas como duolinguo.

    -

    Esto es todo por hoy y hasta el próximo viernes, donde hablaré de por qué las comisiones son tan económicas comparadas con la ilustración profesional, que aunque parece algo más que obvio no está de más ahondar en el meollo en cuestión. 

    Cabe destacar que esto más que consejos son sugerencias, cada persona es única y su forma de ser especial. Por lo que ánimo y buena suerte, encontrar trabajo hoy en día es una tarea bastante complicada y más en este sector, sin decir que no siempre satisfactoria porque, sobre todo en este mundo hay muchos impagos, tomaduras de pelo y demás.

    Conozco a bastantes artistas que tienen un segundo trabajo a jornada completa o media jornada mientras se hacen hueco en el mundillo o que todavía viven con sus padres. Por eso he considerado justo editar esta entrada. Cierto es que a mí en el pasado se me ha dado bastante bien encontrar trabajo pero también es porque tenía mentalidad esclava: Trabaja muchísimas horas, trabaja fines de semana, demuestra que vales. Pero eso no es justo ni considero que haya que fomentarlo y por eso he rectificado el tono de esta entrada.

    Como siempre, gracias por vuestra lectura.

    domingo, 20 de julio de 2014

    Proceso creativo de una ilustración

    1. Primera toma de contacto / Idea inicial

    Como bien decía Thomas Alba Edison: Un genio es 1% inspiración, 99% transpiración. Eso de que hacemos un garabato en un momento y tenemos el trabajo realizado suele suceder en un porcentaje muy bajo de casos, las ideas nunca se suelen concebir lúcidas al principio, por eso está la etapa de la idea inicial que conduce a la búsqueda de referencias.

    Suelo apuntar las ideas en cualquier libreta, posturas, labios, expresiones, ideas o detalles del escenario, composiciones… Cualquier cosa que crea que me va a ayudar en el proceso creativo. Necesito enamorarme de lo que estoy haciendo para darle vida, como imaginar una rápida escena familiar de un personaje en su entorno cómodo o doméstico. Me gusta amar lo que hago porque sé que así tendrá una gran calidad, se convierte en algo real por ende.




    2. Etapa de investigación: La búsqueda de referencias.

    Me lleva de un minuto a veinte horas dependiendo del proyecto. Los de mi entorno saben que dedico mucho tiempo para diseñar los personajes, cultura y entornos de la novela que llevo —demasiado— tiempo escribiendo. Cuando trabajo con personajes ajenos suelo tomar las referencias que se me proporcionan, pero cuando lo hago con los míos suelo recurrir a tareas de investigación muy extenuantes (que por suerte siempre acaban sirviéndome para otros proyectos)

    Leo muchos libros. Seguramente le esté pagando la carrera a alguno de los hijos de la editorial Taschen, porque son muchos los libros suyos que decoran mi estantería.

    Buscar cientos de imágenes en tumblr. Una mirada basta para inspirarme, aunque hasta la fecha casi todas las fotografías que encuentro están basadas en un culto exacerbado a una belleza vacua y sin más significado que el sentimiento que provoca un desnudo cuerpo joven. Casi siempre encuentro respuestas en pinturas antiguas donde encuentro miradas más naturales.

    Salir a "cazar". Cuando trabajaba en Digital Chocolate, dos de mis compañeros más experimentados comentaban cómo, cuando eran más jóvenes, iban al metro de Barcelona (si mal no recuerdo) a dibujar a las personas que se movían por allí. De vez en cuando salgo libreta en mano para ponerme a dibujar todo aquello que me resulte hermoso.

    Sea of Pink & White por Noelle Christine Grand Mosque por Oliver Lisenbarth
    Tumblr Fuck yeah, Awesome Houses The Journeyman Creative Journal Tumblr

    Castillo de Santa Bárbara, Alicante. De mi propia colección.


    3. Etapa de bocetaje

    Cuando realizo un boceto previo, suele ser rápido. Tardar mucho significa que el trazo pierda agilidad, consistencia y vida. Hace tiempo me recomendaron que leyera bibliografía de Andrew Loomis y me baso en su sistema para elaborar composición.




    Referencia en mano, hago el trabajo sobre la composición principal y me guío a través de estas líneas de distribución para hacer finalmente la ilustración. Una vez el boceto está terminado decido si pinto sobre él o si hago tintas puesto que domino varios estilos y nunca tengo problema en experimentar con algunos nuevos.

    4. Tintas (si aplica)

    No siempre hago tintas, suelo dejar mis bocetos muy lúcidos y claros para no pecar de faltar a los detalles, por ello muchas veces prefiero repetir zonas del boceto antes que dejarlas a la libre intuición. Evito hacerlo porque soy de mente distraída y a pesar de que me vuelco en mi trabajo, trabajo en varios proyectos simultáneamente y puedo perder el hilo de lo que inicialmente buscaba.







    El trabajo de tintas es muy sencillo, o utilizo Paint Tool SAI para realizarlo digitalmente (depende de la prisa que tenga) o lo hago utilizando el boceto sobre mi mesa de luz. Siempre gasto el mismo problema porque estoy empezando ahora a entintar de manera tradicional: El papel se comba por el sudor de mis manos, por lo que me han recomendado usar un guante / mitón para evitar tocar el papel con la mano, o utilizar un papel de gramaje superior (yo uso 160gr, me han recomendado 210gr).


    Los materiales, antaño usaba Rotrings / Rapidógrafos / Rotuladores calibrados de Staedtler, los que te daban en el cole, pero la verdad es que la tinta no me seguía la rapidez del trazo. Me frustraba tener que adaptar mi velocidad a la velocidad del rotring, así que pedí consejo en twitter y Tirso Cons (@tirsocons) me recomendó los Sakura Pigma Micron. Tienen más tamaños calibrados (el pack que compré era del 005 al 08), segundo, estos sí me siguen la rapidez del trazo incluso en papel más rugoso. Así que me he enamorado de estos rotuladores japoneses.

    Velvet wings se puede apreciar en mi galería de DeviantART, Tumblr y en mi página web.

    5. Color

    La etapa digital suele ser la más tediosa. Siempre trabajo en formato A4 porque el PC no suele darme para más, en A3 se me quema,  pero suele ser el que más me solicitan para posters y cartelería. Tanto yo como el ordenador sufrimos bastante a la hora de preparar un poster en ese tamaño. Luego decido el color de impresión: Suelo trabajar siempre en RGB y luego hago una conversión a CYMK (y posterior tratado del color nuevamente), por lo que en mi PC, si se va a imprimir, suelen haber dos copias. A4, 8bits, color RGB, 300dpi y A4, CYMK, 300dpi.



    Además de eso, tengo obsesión con el color. Si hago un trabajo rápido y no me gusta el color, es como si tuviera una espinita clavada diciéndome “SABRINA EL COLORRRR”. Por eso siempre busco maneras de mejorar mi color, siempre, tutoriales, pruebas, prácticas… Me permito mucho experimentar.
    Primariamente, establezco mi foco de luz y comienzo a pintar. Dependiendo del tipo de trabajo, en blanco y negro o empiezo ya a colorear. Si tengo mucha prisa no pierdo el tiempo con un B/N.  Pero como no tenga demasiada prisa me gusta jactarme con las pruebas de color.

    Por lo demás intento que la tabla de colores sea dinámica y colorida, los pigmentos más saturados me llaman la atención, mientras que descarto en cuantía las tonalidades pasteles o de baja saturación. Supongo que porque no me ha dado por tirar por esa gama, porque conozco a ilustradoras (e ilustradores) digitales en los que predominan tonos muy neutros o pasteles, suaves que dejan un color muy agradable como @cookiesdf 

    Consideraba oportuno explicar todo el trabajo que lleva una ilustración, ya no sólo el trabajo mecánico (bocetar, entintar, pintar), sino también el despliegue intelectual y emocional que requiere una obra genuina. Podría comparar este proceso con un orgasmo, es un enorme trabajo que requiere toda la concentración en la tarea para acabar extenuado, y todavía más enamorado del oficio.

    lunes, 20 de enero de 2014

    Entrevistas a Artistas (Segunda parte)

    Lo prometido es deuda, aquí os traigo la segunda tanda de entrevistas a ilustradores del panorama español, los que he tenido el buen placer de conocer y que han tenido la amabilidad de dejarse stalk-... Digo, dejarse entrevistar.

    Como dije en la primera entrada de las entrevistas (si no la has leído, tardas), son experiencias muy positivas que nos enseñan las dos caras de la moneda de este mundillo: Tanto las cosas buenas como las cosas malas que nos podemos encontrar.

    Espero que os resulte tan inspirador como a mí: Ahí va la cosa.

    Abi Aiba (Abigail Serrano)




    Abigail Serrano (Abi Aiba en internet), es una twittera de tierras Barcelonesas que se ofreció voluntaria para ser entrevistada. Grata fue mi sorpresa cuando visité su blog y me puse a investigar todo cuanto lo que tenía. Polivalente en varios campos de ilustración, domina ilustración infantil, juvenil, cómic, que ha participado en numerosas publicaciones en colaboración con fanzines, revistas e incluso podemos ver un corto de cine en su trayectoria profesional. Abarca mucho ámbitos la verdad, me quedé muy impresionada con sus trabajos. Os dejo con su entrevista para que os maraville tanto como a mí:

    1. Me he paseado por tu DeviantART y he estado viendo una variedad de trabajos en diversos estilos, se nota que eres polivalente y que has trabajado con variedad, por eso me gustaría preguntarte ¿Con qué estilo te sientes más cómoda?
    Mi estilo predilecto es el manga, por supuesto, pero me las arreglo con todo lo demás. Si tuviese que escoger una segunda opción en la que me siento a gusto y fluyen las ideas sería en la ilustración infantil.



    2. Además de en DeviantART ¿En qué otros sitios podemos encontrar tus obras?
    Pues tengo un blogspot donde voy colgando lo que hago. Es un espacio más serio que DeviantART y está todo más ordenado y etiquetado jeje. La dirección es abigailserrano.blogspot.com
    Ahí y en DeviantART es básicamente donde se pueden encontrar mis ilustraciones. En la actualidad estoy trabajando en varios proyectos, pero por desgracia no puedo enseñar nada todavía por las redes (confidencialidad, confidencialidad... Jajaja).



    3. ¿Cómo ha sido tu experiencia en la publicación? ¿Podrías hablarme de algún proyecto en el que hayas trabajado en el que repetirías la experiencia?
    Mi experiencia hasta ahora es limitada y no podría hacer una valoración con todas las de la ley acerca de la publicación, pero sí puedo hablar un poco más de lo que es sacar adelante un proyecto y de mi relación con las personas con las que he trabajado. Y, respecto a esto, me faltan ocasiones en las que afirmar que repetiría y me sobran proyectos que no volvería a repetir por nada del mundo y personas con las que no volvería a tratar nunca más. Pero así es este mundillo. Lo peor que me ha pasado hasta el día de hoy es que la gente para la que trabajaba haya desaparecido de la noche a la mañana debiéndome cosas, gente de la que nunca más supe. No obstante, diría que esto es el pan de cada día para muchos dibujantes actualmente



    4. Esta es una pregunta que me encantaría que todas las entrevistas respondieran. Si no tuvieras límites monetarios, ni de tiempo ¿En qué proyecto te gustaría trabajar?
    ¡En mil proyectos a la vez! Por desgracia me falta el tiempo y necesito cogerme a lo que surja para vivir, pero si no tuviese esas limitaciones probablemente acabaría mi manga, "Érase una vez...un gato", y luego me dedicaría a empezar otros que tengo en el tintero y que me apetece mucho hacer. Seguramente también me dedicaría a escribir novelas, otra de mis grandes pasiones. 



    5. Por último, creo que esta en concreto a todos nos preocupa bastante, en lo personal y profesional, es lo mal valorada que está nuestra profesión, el instrusismo y lo que se aprovecha la gente de la creatividad ajena ¿Cómo crees que podría mejorar el panorama de nuestro sector en España?
    No tengo, a día de hoy, una respuesta para ello. Creo que se necesitaría sobre todo una concienciación colectiva acerca de que los oficios artísticos son tan válidos como los demás y que se debe respetar el trabajo de un autor. Sin embargo, el español tiene el carácter que tiene, y entre nuestros muchos defectos (y hablo de forma generalizada, entendámonos) está el creer que podemos coger lo que queramos y cuando queramos sin importar nada, simplemente porque nos da la gana. 
    Y respecto al tema de lo mal valorado que está nuestro trabajo... En fin, no estamos en un país en que la cultura prime por encima de otras formas de entretenimiento, y eso se nota sobre todo en la consideración que tiene la gente hacia unos oficios o hacia otros. Si eres una marujona de esas que van a berrear a los programas de cotilleos de la tarde, perfecto. O si eres futbolista, o actor. Pero si eres dibujante, a la gran mayoría les parecerá un insulto que vivas de "dibujar monigotes", sin pararse a pensar que casi todo lo que nos envuelve, desde la camiseta que llevamos puesta hasta la funda de nuestro móvil, ha sido cuidadosamente diseñada por un creativo, muchas veces anónimo. De eso sí queremos disfrutar siempre. 
    En definitiva, es más probable que empiece a mejorar antes el tema económico que el problema del reconocimiento público para nuestro sector. Pero bueno, si hemos llegado hasta aquí es porque somos algo masocas, así que veremos cuánto más seguimos aguantando hasta que se nos fundan los plomos, o hasta que nos fuguemos a algún país decente donde al creativo le esté permitido cobrar lo que merece por su trabajo y donde la gente comprenda que no vivimos del aire. 

    No le perdáis el ojo al trabajo de AbiAiba:




    ElectroCereal (Pedro R.M Andreo)




    Pedro R.M Andreo (Electrocereal en los mundos de internet), es otra persona encantadora del panorama de la ilustración, en concreto, del mundillo del cómic. Tuve el placer de ver una ponencia en el pasado Salón del Manga del 2013 de Alicante. Muy elegante, muy bien vestido, muy educado y una persona muy humilde a pesar del pedazo de talento que se gasta, me he quedado maravillada al ver su progresión a lo largo de un año a la par que me ha motivado, puesto que este muchacho es autodidacta:

    1. Lo primero, me he dado cuenta de que has cogido mucha soltura a lo largo de tan sólo un año (que es el tiempo que llevo siguiendo tu trabajo) y se podría decir que ha sido una mejora bestial ¿Por qué elegiste convertirte en artista de cómics?
    ¡Muchas gracias! Jeje, diría que he tenido evoluciones más bestias en otras etapas anteriores, pero me alegra que me digas eso ¡Porque yo me noto estancadillo!
    No creo que haya una razón concreta o un momento determinado en el que tome esa decisión, para mí simplemente fue un paso natural en mi camino. Llevo toda la vida leyendo cómics, desde pequeño, y es lo que me llena. Las historias, grandes o pequeñas, que entretienen, hacen reír, llorar, pensar y crecer. Supongo que sólo quiero ser capaz de contar las mías propias.



    2. He leído que hay una batalla campal de artistas entre los que usan rapidógrafos, pinceles y plumilla a la hora de entintar. Yo por lo que sé juraría que usas rapidógrafo pero mejor pregunto ¿Cuál es tu herramienta? ¿Las has probado todas? ¿Cómo elegiste tu herramienta actual?
    Por rapidógrafo entiendo rotrings y este tipo de materiales ¿No? (Ahí queda demostrado mi rigor por la etimología y mis conocimientos académicos, jajaja). Diría que lo que más uso es el portaminas, con minas de 3mm. Seguido de lápices, portaminas finos, los consabidos rapidógrafos y rotuladores. También he probado la tinta con pincel, pero no con plumilla. No, no las he probado todas, pero tiempo al tiempo ¿La elegí yo o ella me eligió a mí? Jajaja, creo que por la fuerza de la costumbre y que es la herramienta que más dominada tengo.



    3. Después del boom de las láminas de Doctor Who que hiciste en colaboración con Laura Kjoge, tu aparición en el blog de "The art of animation", todo el camino de trabajo que te ha llevado hasta ello y que muchas personas ahora te conozcan ¿Cómo te lo has tomado? ¿Compensa ese reconocimiento las horas de trabajo, las noches sin dormir y la mala valoración que se tiene de los artistas?
    Yo sigo sin creérmelo, realmente ¡Con la cantidad de gente increíble que hay por ahí, qué hacéis mirando lo mío! Lo de que la gente conozca mi trabajo antes de conocerme a mí o se emocionen al conocerme en persona es algo que todavía me resulta de lo más marciano, pero es agradable, a pesar de lo raro, jajaja. Y si, claro que lo compensa. Es de las experiencias más reconfortantes, alentadoras y poderosas que hay cuando se trabaja en este gremio.



    4. ¿En qué proyecto te gustaría trabajar si no tuvieras limites de tiempo o recursos?
    En muchos, la verdad, jajaja. Tengo al menos cinco o seis proyectos en mi cabeza que piden a gritos salir y no puedo dedicarles tiempo porque tengo el mal vicio de comer y vivir, y para eso hay que currar en algo que dé dinero ya y no luego, jaja. Si sólo tuviera que elegir uno diría "Ars Arcana", que es mi proyecto más grande, antiguo y personal de todos los que tengo ¡Espero que vea la luz en el futuro!



    5. Y ya esta es la última pregunta, en tu opinión como artista ¿Cómo crees que podría mejorar el panorama del sector en España? ¿Qué crees que debería cambiar para evitar el intrusismo profesional, la mala valoración de los artistas y una educación alejada del ideal bohemio de un artista?
    Parafraseando Braveheart: El problema de España es que está llena de españoles, jejeje.
    Si socialmente está mejor visto ver el fútbol que leer un cómic ¿Cómo pretendemos que el sector editorial, los profesionales del medio y todo lo relacionado pueda crecer y llegar al nivel de otros lugares? Necesitamos un cambio de chip totalmente. Necesitamos hacer ver que el arte es necesario y es la forma más básica y humana de expresión posible. Necesitamos que se comprenda que un cómic o un videojuego sólo son medios para contar historias tanto o más ricas que un libro o una película (en algunos casos, claro. No es la norma general). Que sólo son medios diferentes, pero no por ello infantiles o dignos de mofa. Necesitamos que se conozca el proceso de producción de algo así, ya que parece que lo de dibujar es algo que se hace con la punta del pie, que rodar una película es cosa de cuatro tardes o que hacer un videojuego es algo que se hace con cuatro monos en un garaje. Con ello, imagino, también vendrá un reconocimiento no sólo por el medio en si, sino por los profesionales tras él y empezará a valorarse el trabajo que hacemos y el tiempo que dedicamos. Se eliminará esa necesidad del todo gratis y el “esto me lo hace mi cuñado gratis, habrá más ayudas y menos recortes, se podrá hablar de cultura abiertamente con respecto a estos medios, saldremos de la crisis, conseguiremos superpoderes, tiraremos rayos por el culo y ascenderemos a la realidad metafísica más allá de la novena esfera ¡Qué bonito es soñar, eh! Jajaja. Para no sonar como un amargado, sólo diré que no se lo que realmente es necesario hacer o qué debería cambiar, pero si se que vamos a seguir luchando con todas nuestras fuerzas y que, pase lo que pase, seguiremos contando historias, porque al fin y al cabo es lo que hacemos y es lo que somos.

    Seguidle en twitter como yo, y no os arrepentiréis en absoluto. Aquí tenéis sus redes sociales:




    Happip (Víctor Blanco)




    A muchos os sonará el nombre de Happip por internet, seguramente por su canal de youtube o por sus maravillosas ilustraciones, su arte no pasa desapercibido.

    Prácticamente podría considerarle un sensei, dado que fue el que, por aquel entonces, editaba los sprites que hacía y que estaba considerado un muy buen pixel artist. De pixel artist a youtuber, fotógrafo, ilustrador y diseñador gráfico (muy bueno, cabe decir). Vamos, que ha tenido una trayectoria tan variada como impactante a nivel de mejoría en trabajo.

    1. Cuando te conocí siempre se te había visto como una persona muy creativa y ligada a este mundo ¿Cómo definirías tu experiencia con el mundo de los videojuegos? ¿Te ha gustado? ¿Cuales consideras que son los puntos fuertes y flacos en el desarrollo de videojuegos en España?
    Respecto al mundo de los videojuegos, me ha encantado trabajar en ese ámbito y quizá me hubiese gustado seguir en él, yo lo definiría como enriquecedor, como muchas otras experiencias.
    Aunque tiene sus más y sus menos, fue una experiencia positiva. Como punto positivo diría que es un ámbito que crece rápidamente, al menos desde el punto de vista gráfico y por lo tanto, tienes que estar aprendiendo sobre la marcha, lo que hace que no te estanques con tu trabajo
    Como punto negativo, los proyectos no siempre están bien planteados y llevan mucha prueba y error encima, que se traduce en tiempo, esfuerzo y retrasos. A veces algunas cosas se hacen cuesta arriba si no le pone muchas ganas...



    2. Si pudieras elegir un trabajo basado en tus habilidades ¿Cuál sería? ¿Cuál crees que está mejor valorado?
    De momento me defino como ilustrador y diseñador gráfico, y es el trabajo que me gustaría tener. Lo primero porque es lo que siempre me ha gustado, y lo segundo porque engloba varias otras cosas que también me gustan, incluyendo el vídeo. En cuanto a mejor valorado... ¡Ninguno! Sobre todo porque muchos confunden ocio con trabajo y se piensan que mis trabajos son cosas que hago cuando me aburro...



    3. Pegaste un buen estallido con el tema de Youtube y lo que se llaman intros (tendrás que disculparme por mi ignorancia al respecto) ¿Ha sido duro hacerse con un buen grupo de fans? (¡3000 en twitter!) ¿Recomiendas a otros artistas a utilizar Youtube para promocionarse?
    Después de un par de años metido en Youtube, puedo decir que me ha aportado sus cosas buenas, pero no es oro todo lo que reluce. En primer lugar porque de cara laboral, la mayoría de gente que ve tus vídeos no serán clientes en potencia (la audiencia suele ser bastante joven). También está que las horas que le dediques a montar esos vídeos podrían ser empleadas para otras cosas más útiles... Por otro lado, nunca se sabe quién puede estar viendo tus vídeos y a veces puedes llevarte alguna que otra sorpresa agradable. En conclusión, recomiendo tomarlo como un hobbie sin pretensiones más que como escaparate de obra.



    4. Ahora entrando en lo personal, dibujas muchas frutas, seres mitológicos como la avieja, y entre otras cosas tus ilustraciones están cargadas de simbolismo, detalles, imaginación, ornamentos... Vamos, podría decir que en lo particular me provocan muchísimas sensaciones mezcladas con un color intenso y contrastado ¿Cuál dirías que es tu mayor fuente de inspiración?
    La verdad es que no me lo planteo demasiado, supongo que es un cúmulo de cosas: lo que sienta en ese momento, la música que esté escuchando, algún recuerdo, algún artista que haya visto en Tumblr, incluso algún videojuego que me haya gustado... ¡Puede ser cualquier cosa! Por eso luego me sale todo ese batiburrillo de cosas. 



    5. Esta última pregunta la estoy realizando a todos porque considero que, además de lo que uno pueda aportar a la profesión haciendo uso de la misma, también puede aportar su opinión al respecto. ¿Qué crees que debería cambiar en España para que se tuviera más respeto y valor a nuestra actividad laboral?
    Creo que ahí entran en juego muchas cosas, empezando con valores que se puedan transmitir en la escuela y terminando en que hacerse autónomo en España es extremadamente caro y es un modelo que no funciona.

    Aquí se pueden encontrar todas las redes sociales de Happip:



    lunes, 13 de enero de 2014

    Entrevistas a artistas

    ¡Muy feliz año nuevo a todos y a todas! Tanto si sois lectores asiduos como si acabáis de llegar, bienvenidos :). Quería aprovechar este nuevo año para daros unas fuertes dosis de positivismo y realismo por otra parte. Gracias a la red social twitter he podido conocer a un montón de artistas que me han inspirado a la par que motivado a seguir en esto, y supongo que al margen de lo que se habla o se deja de hablar, es mejor preguntar a los que saben por su experiencia.

    Espero que sus respuestas os resulten tan motivadoras como a mí.

    Medusa the Dollmaker (Asunción Maciá Ruiz)




    Con una trayectoria envidiable, Asunción Maciá Ruiz o Medusa the Dollmaker en internet, ha conseguido conquistar mi corazón con ornamentos, tramas y un color que embelesa. Como bien dice en su página de Facebook, esta ilustradora tradicional y digital no es nada más y nada menos que autodidacta y por lo que puedo saber de ilustración es todo un logro. Ha publicado y trabajado para numerosas firmas comerciales como Blizzard, Planeta DeAgostini, Norma, entre otros y ahora dispone de varios lugares en el ciberespacio donde podemos comprar sus productos. Os dejo con su entrevista:

    1. Me gustaría romper el hielo con una pregunta clásica y que seguramente ya te habrán hecho más de una vez. He visto que entre ornamentos y steampunk hablando grosso modo te has clavado unas ilustraciones muy originales ¿Cómo conseguiste encontrar tu estilo favorito?
    Es consecuencia de un montón de influencias a lo largo de 30 años de observar con mucha hambre en los ojos. Aquí es donde estoy cómoda, sea cual sea el género, mientras lo haga a mi manera. Nos suele pasar a todos, influencias, experimentación, muchas horas de curro, depuración, hasta llegar a conocer nuestro propio lenguaje visual. No hablo de perfeccionamiento, eso lleva toda la vida. Yo tengo mi propio código que me define, a través del cual me comunico. Somos un montón de experiencias y eso se refleja en nuestra actitud y en nuestro trabajo.



    2. Si entráramos ahora mismo a tu estudio y nos pusiéramos a cotillear ¿Qué podríamos encontrar?
    ¡Un completo desastre! Pero así por encima, muchos estantes con muchos libros, la mitad de ellos de arte, mi taza de té, los lápices y acuarelas desparramados al lado del portátil, un gato, un montón de notas de encargos pendientes colgando delante, piezas secándose sobre el sofá... En fin, caos.



    3. Esta es una pregunta mucho más libre, a ver qué te parece el reto, imagínate que tuvieras tiempo y recursos para hacer un proyecto, si no tuvieras límites ¿En qué proyecto te gustaría trabajar?
    Me gustaría crear algo en volumen. O volver a hacerlo mejor dicho. Llevo tanto tiempo trabajando bajo objetivos que la pregunta me deja un poco en blanco, pero sí recuerdo que tengo pendiente modelar de nuevo, ya sean figuras, muñecas, etc. Eso y ampliar mis colecciones de ilustraciones para camisetas y cosas así, me lo paso genial.



    4. Por las mañanas a muchos se nos hace difícil arrancar, se ve que eres una artista que publica muy asiduamente, que mantiene sus redes sociales y encima un buen ritmo de publicación, vamos, que se nota que no paras un momento ¿Qué recomendarías a otros artistas para seguir una rutina tan buena como la tuya? 
    Apenas tener vida social "real" :(. En realidad parece que estoy más conectada de lo que realmente estoy, lo que pasa es que cuando aparezco soy muy escandalosa jajaja. Trabajo mucho, gestiono con mimo las redes puntualmente, estoy en mil cosas y proyectos, de una forma desorganizada pero aplicando disciplina. Sin disciplina, sin sacar faena adelante y mover mis redes, no como, así que me lo tomo en serio. No soy una persona demasiado extrovertida, pero me lo paso bien interactuando con la gente y haciendo que echen un ratito bueno si es posible. Como soy un poco ermitaña mi relación con el mundo muchas veces se reduce a eso, ya que es el medio más cercano mientras trabajo para comunicarme. Pero tengo previsto salir a la calle en 2014, estoy practicando seriamente ¡El otro día fui a Mercadona! (es broma, fui al LIDL).




    5. Y por último, esta pregunta creo que nos concierne a todos y es el tema de la mala valoración que se tiene de los artistas en nuestro país, a pesar de que casi todas las cosas que tenemos a nuestro alrededor y nuestra propia identidad humana viene definida por el arte ¿Cómo crees que podría mejorar el panorama de nuestro sector en el país?
    Buf... Yo soy una tía muy sencilla, de estas cosas entiendo poco y no puedo aportar ninguna solución. Pero lo que puedo decir es que la honestidad, el trabajo duro y la constancia son extensibles a cualquier situación en la vida. Lo que he observado es que mientras en el resto del mundo el arte forma parte de las vidas de los ciudadanos, en España se ha establecido como algo accesorio, como mera decoración, algo sobre lo que pasar por encima sin discurrir más. Las lamentables actuaciones políticas no han facilitado esto precisamente, y se convierte en una pescadilla que se muerde la cola. No nos tomamos en serio, y cuando más cercano sea el creador, menor será el aprecio. Realmente no se qué le pasa a este país, tenemos un país con una cultura rica y parecemos el chiringuito de Europa. Además estamos terriblemente acomplejados, y si nuestro vecino tiene éxito nuestra opinión sobre él se torna negativa haga lo que haga. Es una lástima, espero que con el tiempo, la educación a través de la sensibilidad, la empatía y la cultura se amplíe el espectro de valoración e implicación de los españoles en las actividades culturales.

    Podéis encontrar más cosas de Medusa The Dollmaker en internet:
    Página web
    Blog
    Facebook
    Twitter



    Alvin (Jordi Longueira)




    Cuando quise empezar a hacer entrevistas, Jordi fue uno de los primeros en los que pensé, puesto que he estado viendo su progreso desde que prácticamente yo era un píxel con pañales. Desde que iba a la escola Joso hasta la actualidad que trabaja para Beautifun Games he podido ver cómo poco a poco a ido mejorando y abarcando más y más conocimientos para hacerse paso en la industria de los videojuegos.

    1. Desde que empecé a hacer algunos pinitos he conocido tu trabajo, y he podido ver tu progreso desde casi los primeros inicios hasta llegar a la actualidad, que trabajas con el estudio BeautiFun Games ¿Cómo definirías la experiencia?
    Ha sido un proceso larguísimo, muy agotador pero satisfactorio. Muchos años dibujando, muchas horas delante de un papel y muchos momentos en los que crees que no vas a lograrlo nunca. Creo que la obsesión por el dibujo y ciertos cambios de mentalidad (debidos sobretodo a crecer y madurar) son los que realmente me salvaron del abandono. 
    Estudié durante 4 años en una escuela de dibujo pero me di cuenta que empecé a ser dibujante poco antes de acabar mis estudios: 
    -Mi mayor problema jamás fue ser/no ser bueno en el dibujo como yo creía. El problema era la mentalidad de “estar en el cole” y “hacer los deberes”, desaproveché muchos años de estudio aprobando sin darme cuenta que lo verdaderamente importante era aprender todo lo posible.
    -Dibujar lo que te gusta y dejar lo que no era otro error típico. No hay que disfrutar dibujando perritos, robots o chicas sexys… Hay que aprender a disfrutar DIBUJANDO. Cada estilo, cada temática y cada técnica se tiene que aprender con interés ya que aportará algo a tu arte.
    -Tener orgullo, retarte a ti mismo y superar esos retos. Hay que tener ambición, siempre intentar mejorar y no conformarse con lo que ya tienes.
    -Creer en ti mismo. EL MAYOR ERROR que jamás he cometido en esto y que, por desgracia, veo a muchos cometer… Cree en tu trabajo y defiéndelo, se humilde y acepta las criticas pero no te infravalores ni demuestres a la gente tus puntos débiles. Si te quedas en casa “haciendo book” solo estas excusándote para no admitir tus propios miedos, y nadie irá a buscarte para darte una oportunidad.
    El trabajo en Beautifun Games es, básicamente, el final feliz de mi propia peli Disney: trabajo haciendo lo que me gusta, el equipo es genial y el proyecto me tiene loco ¡Espero que dure y siga mejorando!



    2. Desde que comenzó sigo desde el subterfugio tu webcómic Regno ¿Cómo surgió la idea? ¿Qué tal ha sido la experiencia?
    Regno es uno de esos proyectos que nacen un día por pura casualidad, mientras estás haciendo otras cosas y sin prestarle mucha importancia, luego resulta ser una de tus mejores ideas.
    La primera idea era crear un RPG con toques de acción y humor, pero con el tiempo evolucionó a algo más cachondo y vi que el RPG no le sentaba muy bien. El proyecto quedó aparcado y lo he ido retomando cada X años, evolucionando su historia, personajes y probando formatos, siempre con ganas de hacer algo con él pero sin tiempo para dedicárselo hasta que finalmente decidí empezar el webcómic (¡Que espero poder retomar pronto!).



    3. Como artista digital ¿Qué consideras imprescindible para trabajar?
    Si hablamos de herramientas para ser artista digital es sencillo: 
    -Un ordenador decente (no hace falta que sea uno de la NASA, pero que mueva los programas y archivos grandes sin morir en el intento).
    -Tableta gráfica (dibujar con mouse es como talar un árbol con tijeras de punta redonda…se puede, pero es mejor una motosierra). Aconsejo las Wacom, y el modelo en si depende del presupuesto y el uso que se le vaya a dar.
    -Software de diseño. Photoshop, SAI, Painter, Gimp…hay miles, cada uno con sus pros y sus contras, así que es cuestión de probar y quedarse con el que te sea más cómodo.
    Un error muy típico es centrarse demasiado en las herramientas para lograr buenos resultados…una tableta más cara, una nueva versión de Photoshop o un PC más potente no te hará dibujar mejor. Las herramientas más caras solo ayudan a trabajar más cómodo pero la calidad la pone el artista.
    Pese a todo, lo más importante es:
    -PASIÓN. Esto es lo importante…normalmente no vas a hacerte rico, no vas a hacerte famoso e incluso te costará conseguir trabajo con el que llegar a fin de mes. Tienes que aprender mil cosas (anatomía humana y animal, perspectiva, composición, teoría del color, etc.) y siempre tendrás cosas que aprender y gente que te da mil vueltas. Por lo tanto, si no tienes verdadera pasión por este trabajo es muy complicado dedicarse a ello y no tiene sentido, pues si no disfrutas de ello y tampoco te da ventajas como muchas ofertas de empleo y/o grandes sueldos… ¿Qué sentido tiene? 



    4. El campo del 3D se está convirtiendo, según algunas personas, en una salida laboral para muchos artistas e ilustradores ¿La recomiendas o no es más de lo mismo? ¿Cuál ha sido tu experiencia con el 3D? 
    No todos los dibujantes son buenos artistas 3D y muchos artistas 3D no son buenos dibujantes según mi experiencia. Son trabajos que van muy cogidos de la mano, pero que realmente son muy distintos entre sí. El 3D, pese a tener una gran parte artística, es un campo mucho más técnico, donde tienes que estar al día de los avances del software, de saberte muy bien la teoría y trabajar con otros aspectos como la programación. 
    Además se tarda más tiempo en ver resultados: Puedes dibujar la cara de un personaje en pocos minutos y ver si va por buen camino pero en 3D tienes que modelar dicha cara (un proceso mucho más lento), texturizarla y luego ponerle la expresión que buscas para ver si realmente funciona, así que requiere de bastante paciencia.
    A mitad de camino tienes la escultura digital: Es 3D, pero se salta un poco las normas buscando una forma de trabajo más manual y cercana a la escultura tradicional, aunque si quieres aplicar la obra en algún proyecto como una película/videojuego luego tendrás que seguir un proceso para convertirlo en un modelo viable (retopología, reducir número de polígonos, etc).
    Personalmente siempre recomendaré aprender todo lo que puedas. Yo entré en el campo del 3D con la idea de lograr más oportunidades laborales pero por suerte algunos de sus aspectos me fascinaron (sobretodo modelado orgánico) aunque reconozco que otras como el rigging (crear esqueletos para animar) y la propia animación 3D me ponen muy nervioso.



    5. Es una pregunta que estoy haciendo a todos los ilustradores e ilustradores, y más que has hecho tus pinitos en el mundo del cómic ¿Qué consideras que debería cambiar en España para que el sector mejorara? Ya no sólo ideas, vale cualquier cosa que creas que está mal y que habría que mejorar. 
    Es complicado. Se necesitan ayudas, se necesita que las empresas apuesten por el talento y ofrezcan a los artistas las condiciones para poder hacer su trabajo.
    Sin embargo esto tampoco es posible sin un cambio en la mentalidad general que se tiene por estos proyectos: 
    Los dibujantes no se pueden permitir pasarse toda su vida trabajando en “empleos de verdad” y dedicando todas sus horas libres a dibujar proyectos de los que no van a poder vivir pero las editoriales tampoco pueden permitirse pagar sueldos decentes y luego ver como las ventas no acompañan y pierden dinero.
    El primer paso es lograr que la gente no tenga esa mentalidad de que el cómic/videojuegos son productos infantiles y de poco valor. El público debe aprender a respetar la calidad de una obra y valorar el trabajo que hay tras ella. 
    Así lograríamos que la gente quiera consumir estos productos y también aprenda a comprar si creen que merece la pena y no simplemente descargar ilegalmente… es una pena llegar al punto en que bajarse un cómic/película/juego de forma ilegal es “lo normal”. 

    Las chachi-páginas de Alvin también están en internet:
    Regno (webcómic)
    DeviantART



    Viki Serrano





    Un hallazgo de twitter del que no me arrepiento en absoluto de haber conocido. Su combinación de lo extravagante con lo dulce hace que sus dibujos sean completamente originales y únicos, con colores pasteles que enamoran sólo de verlos. Desde que vi sus ilustraciones y sus tweets, te das cuenta de que es tan gran persona como ilustradora. Os dejo con su entrevista que en lo personal me ha motivado bastante.

    1. Entramos en tu estudio y nos encontramos con tu estación de trabajo ¿Qué materiales encontraríamos sobre tu mesa? ¿Qué consideras que es totalmente imprescindible en él?
    Me da un poco de vergüenza admitirlo, pero primero tendríamos que quitar todo el desorden y a mi gata Karma de encima de las cosas realmente útiles. No entiendo muy bien la mecánica de usar algo y dejarlo en su sitio después, soy terrible, así que seguramente haya alguna que otra taza, galletas y un montón de trastos en mi escritorio desordenadamente ordenado. Luego está Karma, que lo mas probable es que este encima de los folios, el teclado del portátil o de la tableta gráfica, que es mi elemento más importante a la hora de trabajar ahora mismo. Tengo siempre a mano los lápices, rotrings, el cuaderno de bocetos y unos cuantos rotuladores grises, pero sin duda mi herramienta imprescindible es la tableta. Y la gata, que es un elemento de apoyo muy importante y siempre se preocupa de de sentarse encima de lo que vaya a usar y calentarme bien los materiales.



    2. El mimo que pones en tus ilustraciones salta a primera vista, y la verdad es que me sorprendió observar que cada vez más artistas se han liberado de los tabúes y del temor a dibujar contenido erótico, he estado viendo muchos trabajos que has publicado para el fanzine Sextories y me ha encantado la mezcla de sensualidad y dulzura que aplicas ¿Podrías hablarnos de tu experiencia profesional para animar a otros artistas que todavía no se han atrevido?
    Muchas gracias <3. La verdad es que han sido dos colaboraciones que he disfrutado mucho, los organizadores se lo curran de verdad y le ponen un cariño infinito al fanzine. Ahora las veo y no dejo de encontrar fallos, pero han sido dos historias muy divertidas de dibujar y con las que he aprendido muchísimo. Cuando me propusieron participar acepté porque me apetecía, ademas de que se trataba de hacer algo con un poco de chicha y no simplemente sexo por sexo. Hay que animarse más con estas cosas, el sexo es lo mas natural del mundo y no deberíamos tener tantos prejuicios y tabúes.



    3. De todas las ilustraciones y cómics que has hecho hasta la fecha ¿Cuál es la que más te gusta? ¿Qué te motivó a crear esa obra?
    Esta va a ser muy difícil de responder, no sabría quedarme con una sola... pero bueno, las primera que se me viene a la mente es esta tira que es muy especial para mí.
    Es un lápiz guarrísimo, las viñetas están fatal, me como el champú de una viñeta a otra... ¡Un desastre! Pero me encanta. Significa mucho para mí, es de esos dibujos que son como una pequeña catarsis. Creo que lo hice en un ratito de lucidez de una época bastante horrible de mi vida, y no es algo que me guste, pero siempre he pensado que mis mejores trabajos los he hecho estando triste y ahora mismo es un lujo que no me pienso permitir. Quiero ser capaz de sentirme orgullosa de las cosas que hago estando bien, la tristeza nunca merece la pena.
    Y ahora, para quitarnos la tragedia de encima, un cervatillo, que también me gusta mucho:



    4. ¿Alguna vez has sufrido un bloqueo creativo? ¿Cómo has conseguido superarlo?
    Muchas veces ¡Muchísimas! Es terrible y yo soy peor poniéndoles remedio. Normalmente intento solucionarlo y me pongo a dibujar, pero al final acabo peor porque a veces parece que no tenga remedio y que tu mano ha decidido ignorarte para el resto de vuestras vidas y acabo llorando bajo una manta. Siempre. Así que lo dejo estar durante un día o dos (dos ya son tirando a feo, pero tres ya es pasarse), y lo vuelvo a intentar.
    Pero niños, no me hagáis caso, que por ahí he leído mil veces que no hay que rendirse y hay que dibujar hasta que salga el sol y el bloqueo se convierta en unicornio y todas esas cosas. No, en serio, no hay que rendirse, al final siempre se pasa, nunca perdáis la esperanza.



    5. La última pregunta es algo más general, la estoy realizando a todos los ilustradores e ilustradoras que estoy entrevistando. El sector español relacionado con las artes, tanto pintura, joyería, ilustración, 3D, comic... Conozco muy pocas personas que hablen de que estemos cerca de ser una profesión valorada si nos comparamos con países como Francia o Estados Unidos, donde todo el diseño y el arte son productos muy cotizados ¿Qué opinas que debería cambiar en España para que se nos valorara un poquito más?
    Creo que es muy importante que nosotros mismos aprendamos a valorarnos y a hacernos respetar como es debido, que es algo que no todo el mundo hace. Conozco muchísimos casos de gente que vende su trabajo por dos duros, y aunque entiendo que a veces no queda mas remedio o que los comienzos son muy difíciles, no ayuda ni al propio artista ni al resto del gremio. Es nuestro trabajo y encima nos gusta hacerlo, así que parece que los de fuera del mundillo lo ven como un "hobbie" cuando no es así.
    A parte de eso me parecería algo muy positivo lo de introducir el Artist Alley en los Salones, como se estuvo hablando hace unos meses en las redes sociales, y eventos mas enfocados a lo que hacemos, como la Muestra de Ilustradores de Murcia, que va por su segunda edición y al parecer está teniendo muy buena aceptación.

    ¿Dónde podéis ver cositas de Viki? Aquí os dejo los enlaces:
    DeviantART
    Tumblr
    Subcultura




    Espero que os hayan gustado estas entrevistas, la semana que viene publicaré tres más que ya están preparadas (¡Y muchas gracias a los colaboradores por vuestro tiempo ^_^!).

    Siento no haber estado muy activa últimamente, Angulema y algunos asuntos personales me han tenido muy ocupada, y la verdad es que estoy planteándome tener claras mis prioridades para no sucumbir, porque no me da tiempo a todo. Seguir, sigo viva y con muchas ganas de continuar trabajando duro para hacer de este mundillo un lugar mejor. Poco a poco.

    Un abrazo enorme ¡Nos vemos!